RAMMSTEIN (2019)

JUSTE UNE ALLUMETTE

Les hommes dansent dans les déjections et les poubelles sur le son de Rammstein
La puissante musique teutonique résonne poussé par le bruit des machines
Les usines avancent à marche forcée emportant les esclaves qui hurlent
"Ce que j'aime doit mourir, ce que j'aime doit mourir !"
Prisonniers et libres, hagards dans un système qui n’a plus de sens
Pour se sentir vivre, échapper aux souffrances il courent dans des tuyaux
Rampent dans la misère ou l'or pur puis blasé de toutes les choses qui les ferrent
Ils tendent leurs bouches vers le ciel et tentent de croquer des morceaux de Soleil
Les yeux gorgés d'un éclat éblouissant ruisselant de larmes amères
La fatigue apaisante jamais ne vient dans ce tourbillon insensé
Alors dans cet élan de puissance incontrôlé
Cette course vers le progrès de dieu image de l'homme
Où pas après pas ils précipitent une chute vers des abîmes de néant
Ils fracassent de leurs doigts crochus les pierres du monde
Ils tailladent la Terre de leurs pieds de plombs en forme de charrues
Ils arrachent tirant comme de beaux diables les arbres splendides
Ils boivent tous les océans pour les vomir vers les étoiles
Mangent, mangent et mangent sans faim pour grossir, tout plaisir oublié
La saveur n'existe pas coûte que coûte il faut se remplir
"Ce que j'aime doit mourir, ce que j'aime doit mourir !"
Les animaux gagnés par cette danse infernale sautent dans la bouche macabre
Ils sont broyés sans ménagement tripes et ossements engloutis rapidement
Pas même digérés ils sont chiés irrémédiablement
Et la danse reprend les pieds noircis de la bouillie du démon
Pour jouer ils lancent leurs doigts vers le ciel, balayent les nuages
Aspirent les éclairs et le vent pour les recracher en un souffle puissant
Le rire couvrant la musique, le rire énorme de l'ogre éclate comme un volcan...
Tout est balayé, plus de vie, les montagnes arasées,
Une triste platitude grisâtre et silencieuse où le regard s'ennuie.
Enfin rompus mais assoiffés ils s'enfoncent en creusant toujours plus profond
Pour boire un liquide sombre et nauséabond qui leur redonne une énergie démoniaque.
Des trous ainsi formés s'élèvent les noirs geysers issus du ventre du Monde
L'homme boit encore et se repait du liquide collant qui gicle en une ultime éjaculation
Jusqu'à salir le blanc des nuages, le bleu du ciel, la lumière du Soleil.
C'est la nuit totale, la solution finale...
"Ce que j'aime doit mourir, ce que j'aime doit mourir !"
Malade de cette triste orgie, un peu nauséeux et se trouvant seul
L'homme crache un petit bout de bois, seul reste de son repas
Son bout est rouge, gratté sur un ongle le feu jaillit,
La place est nette, il fallait juste une allumette !

Dass ich froh bin, darf nicht sein
Nein
Was ich liebe
Das wird verderben
Was ich liebe
Das muss sterben
Muss sterben
Auf Glück und Freude
Folgen Qualen
Für alles schöne
Muss man zahlen
Ja
Was ich liebe
Das wird verderben
Was ich liebe
Das muss auch sterben
Muss sterben
Was ich liebe

Philippe Katerine : Confessions

IN NOMINE PATRIS ET FILI...BLA, BLA, BLA...

S'il y a bien un mec décalé pour taffer dans la Pop mais qui n'a ni la voix ni le profil de l'emploi, surtout avec une teub à la place du blair, c'est bien le sieur Katerine !
Pour son organe vocal d'aucuns doivent le trouver abominable avec cette couleur particulière un rien horripilante et bête, pour le physique on peut dire qu'il est aux antipodes du bellâtre vagissant de belles complaintes propres à emballer n'importe quelle gonzesse en mal de poésie à deux balles.
Oui mais... Le travail que ce soit pour la musique, les arrangements ou les textes auquel s'ajoute un soupçon de talent ça paye. Et puis Katerine ose tout sans complexe, il appelle un chat, un chat et bien sur une queue une bite et vice versa... Il ne s'effraie pas de sujets plus ou moins "tabou" plus ou moins "polémique". Il est un artiste et assume. A sa façon, il témoigne de son temps, de son environnement et il le fait bien. Les gays, la pornographie (arrête de mater You porn !), la stupidité stupide (arrête de lire Voici ou de regarder l'amour est dans le pré !), la mort et bien sur la vie ! On peut même, excusez du peu, sentir un parfum de Prévert dans ce jongle entre la réalité et l'absurde. Les bien pensants seront peut être choqués mais après tout ce ne sont que des mots et la sensibilité voire la douceur sont là, tapies sous le vernis iconoclaste.
Après un césar du meilleur second rôle en 2018 pour un film sans grand intérêt : le grand bain (5 millions d'entrées ça veut dire bon film, non ?), il est resté motivé pour pondre ce dixième album. On ne peut pas savoir s'il en avait envie et si tel était son but, en tout cas il secoue le cocotier, tape dans la fourmilière avec ses invités de marque plus ou moins prestigieux. Lomepal, Angèle, Chilly Gonzales, Camille, Dominique A, Oxmo Puccino, Léa Seydoux, et la voix si caractéristique de notre Gégé national. Au fait on ne sait plus s'il est français, russe ou turque notre bon, notre grand, notre immense, notre fou...Depardiou !
Katerine aussi est un peu dingue mais un dingue sensé (c'est possible ?), un amuseur léger et adoptant la posture du bouffon il nous fait sourire sur des sujets graves (88%, le Blond et surtout Aimez-moi).
Voilà, après trente ans de carrière plus ou moins brillante il était vraiment temps de se confesser mais l'abbé ne sera certainement pas satisfait de cette prose anticonformiste moderne que l'église refuse d'entendre. Le Monde évolue, les hommes changent et un artiste se doit de suivre au plus près ces modifications dont il est lui même un maillon descriptif. A ce titre le pari est réussi et si le curé ou le pape (y a que le chapeau qui change) ne lui donne pas l'absolution il pourra toujours lui rire au nez comme il rit de son époque et lui dire qu'il s'en fout !

Pink Floyd : Wish You Were Here

Nous sommes en 1975, lessivé par l’exploit que constitue « dark side of the moon », le floyd cherche un second souffle.  L’idée viendra encore de Waters, qui souhaite articuler le nouvel album autour de shine on you crazy diamond, son long poème, sur lequel Gilmour a plaqué son riff stellaire. « wish you were here » sera donc un disque sur l’absence, emballé par une pochette culte signée hignosis.

Alors qu’ils sont en plein travail au studio abbey road , les musiciens reçoivent la visite d’un homme chauve et bedonnant , qui attire leur attention sans qu’ils comprennent immédiatement pourquoi. C’est Roger Waters qui le reconnaîtra le premier, fondant en larmes lorsqu’il comprit que ce qu’il avait devant lui était le corps, et l’esprit, d’un Syd Barrett arrivé au terme de sa déchéance.

Bien que présent sur une courte période, Barett a toujours guidé la musique du floyd , une série d’images honorant la mémoire de ce génie détruit. Après avoir été  «  le fou dans l’herbe » de dark side of the moon » , le voilà transformé en diamant fou , symbole de l’insouciance perdue.

Wish you were here est un disque nostalgique, qui délivre un message universel à partir de l’histoire tragique de son ex leader. Quand, en introduction de shine on , Gilmour chante « remember when you were young , you shine like the sun » , il semble dresser un miroir à travers lequel chacun peut projeter son propre âge d’or. Sa guitare, lyre céleste lançant des homélies mélodiques, devient alors le réceptacle de toutes les joies perdues.

Cette fresque emmène l’auditeur vers des sommets réconfortant, chaque étape du titre s’apparentant au décompte sensé envoyer notre esprit sur orbite. Le clavier prend d’abord le temps de poser le décor, ses ambiances entourent l’auditeur comme une épais nuage blanc. Arrivent ensuite les quatre notes célestes de Gilmour, grand requiem annonçant l’évocation de Syd Barett. Un long instrumental laisse ensuite l’esprit de l’auditeur calquer ses propres souvenirs sur sa mélodie, le chant arrive alors comme une apothéose spirituelle, bientôt clôturé par un saxophone majestueux.  

Quelques minutes plus tard, le Floyd semble quitter Barett, pour laisser Roger Waters déverser son fiel contre l’industrie du disque. Mais, si le blues robotique de « welcome to the machine » est si violent envers ce musique business qui vient juste de rendre le floyd riche , c’est parce qu’il pense que la pression qu’il impose a poussé son ex leader vers la folie. Sur le même thème, « have a cigar » part dans un registre plus léger, Roy Harper balançant son funk irrésistible en haut du nuage délirant que tisse le Floyd.

C’est que le titre n’est qu’une petite récréation avant le véritable chef d’œuvre du disque, son merveilleux morceau titre. Il permet à Waters d’exprimer une nouvelle fois ses troubles, cette confrontation entre son « mauvais côté » arriviste, et son coté altruiste « lumineux », pour en arriver à la conclusion que le premier l’emporte le plus souvent sur le second. Encore une fois, la musique n’impose pas cette interprétation. L’auditeur est libre, lorsque gilmour chante 

«How I wish, how I wish you were here
We're just two lost souls
Swimming in a fish bowl
Year after year »

de calquer sur son texte le visage de celui qui a emporté avec lui une époque merveilleuse, qui ne reviendra plus. Country cosmique, le titre célèbre encore une fois le feeling majestueux de Gilmour , dont le riff acoustique débouche sur un solo hypnotique , la tradition country cohabitant avec la rêverie psychédélique dans une mélodie sortie de l’éden.  

Après cette apothéose, la seconde partie de Shine on you crazy diamond clos le bal sur un riff strident, ouvrant la voie à un solo rageur.  C’est un véritable cri de révolte face au cynisme du destin, qui est parfaitement résumé à travers le message d’espoir que dispense Roger Waters « Et nous nous réjouirons dans l’ombre du triomphe d’hier ». En écrivant un grand hommage à celui qui continue de marquer son histoire (Barett), Le floyd a produit une des plus belles odes à l’espoir de la musique pop.  

David Bowie : Welcome to the blackout live in london 78

Elle parait déjà loin cette époque où , grimé en Alien bisexuel , Bowie récupérait la mise avec une formule initiée par son ami Marc Bolan. Ziggy Stardust était alors le rock dans ce qu’il avait de plus sulfureux, viscéral, mais aussi classieux. Sa voix, Bowie l’avait travaillée en s’inspirant de Brel , dont il reprenait « la mort » à chaque concert.

Ziggy était une hydre musicale magnifique, un personnage fascinant né de la curiosité sans fin de son géniteur. Avec lui, l’artiste devenait lui aussi une œuvre, reprenant l’adage de Warhol selon lequel n’importe quoi pouvait être considéré comme de l’art.

Et pourtant, quand le maître a crucifié sa créature sur la scène de l’Hammersmith Odeon , beaucoup pensèrent qu’il tuait aussi sa carrière. L’homme lui-même n’était pas encore bien sûr de lui, et annonçait timidement son virage groovie sur un « diamond dogs » encore très marqué par le fantôme de son alien glam.

Si les deux albums suivant sont aussi sous-estimés , c’est avant tout parce que le maître lui-même minimisait son œuvre, parlant de plastic soul par respect pour ceux qui inspirèrent le groove de « young americains » et « station to station ». Un nouveau personnage naissait avec ces disques , le Thin White Duke , dandy émacié chargé de prêcher la bonne parole soul.

Mais surtout, station to station montrait déjà une envie de se diriger vers des terrains moins balisés, désir magnifiquement illustré par la fresque urbaine qui ouvre le disque. Perdu dans une paranoïa nourri à grand coups de coke, Bowie a immortalisé son enfer sur « l’homme qui venait d’ailleurs » , film qui fait plus figure de document biographique que de véritable chef d’œuvre du septième art.

Il trouve alors refuge dans le rock expérimental allemand, can , neuh , et autres tangerine dream développant une musique délirante et robotique, qui ressemble à la bande son de son enfer psychologique.   

Véritable éponge musicale, il s’imprègne rapidement de cette fascinante avant-garde, et la restitue sur deux disques incontournables. Cet homme, devenu rachitique, et développant un charisme fait de sons futuristes, était le prophète venu populariser la musique du futur. 

Car Bowie ne s’était pas contenté de copier l’ambiguïté un peu snob de ses modèles allemands, il s’en était nourri pour créer une nouvelle pop.  Voilà pourquoi, plus que n’importe lesquels, les concerts de cette époque bénie sont des monuments historiques.

Dans cette salle londonienne, en 1978, Bowie célébrait le Zénith de sa nouvelle incarnation , annonçant d’entrée la couleur via un warsawa en forme de prière spatiale. Puis vient « heroes » , sommet de la trilogie berlinoise , ode romantique qui permet à Bowie de faire un tube issu d’une musique profondément underground. On ne m’enlèvera pas de l’idée que « beauty and the beast » , dont le riff délirant partage la scène avec un synthé, qu’on jurerait venu d’une des lointaines planètes dépeintes par K Dick et Asimov , est bien plus aventureux .

C’est un nouveau rock qui naît à travers ce riff chromé, une fraîcheur futuriste que les tacherons de la pop/new wave ne feront que parodier. On a beaucoup parlé de cette reprise d’ « alabama song » , blues viscéral des doors, issue d’un disque qui donna au psychédélisme ses lettres de noblesse. Cette version montre la différence entre le dévot, paralysé par l’admiration qu’il voue à ses idoles, et un créateur tel que Bowie.

Sa vision de l’hommage est plus créative, il plie ses influences à sa volonté pour produire une matière unique. Ainsi, « alabama song » peut entrer dans sa grande célébration futuriste à grands coups de synthétiseurs dansants sur son rythme aviné.

Et puis le dandy n’a jamais aussi bien chanté, ses prestations sur suffragette city , five years , ou soul  love figurant parmi les meilleurs de sa carrière. Quant à sa « plastic soul » , elle mérite désormais magnifiquement son nom , ses arrangements se fondant dans une matière que Bowie est encore le seul à maîtriser.

Si ce live, comme tous les concerts issus de cette tournée, est incontournable, c’est parce qu’il prolonge l’écho de deux disques (heroes et low) , qui n’ont pas d’égal dans la pop anglaise. C’est le sommet d’un héritage qui ne fera que se liquéfier dans les années 80, mais Bowie sera déjà passé à autre chose.  

   

  

NINA HAGEN BAND : premier album (1978)

Formation
Nina Hagen : chant
Bernhard Potsckha : guitare
Manfred Praecker : basse
Reinhold Heil : claviers
Herwig Mitteregger : batterie

Née à Berlin-est dans une famille artistique, Nina Hagen baigne dès son enfance, malgré la rigueur du système politique, dans une ambiance bohème, « théatreuse » ; puis alors que a mère se remarie, son nouveau beau père poète/chanteur contestataire est jugé persona non grata à l'est et doit fuir pour rejoindre Berlin-ouest en 1976 ; entre temps Nina a commencé à chanter dans des petits groupes locaux (elle reprend notamment du Janis Joplin) et en 1977 Nina en profite pour partir séjourner quelques temps à Londres où elle fréquente la scène punk qui est en pleine ébullition.

A son retour elle décide de monter un groupe mélangeant punk et rock plus traditionnel (enfin pour Nina Hagen il n'y a rien de vraiment traditionnel !).

Catalogué un peu rapidement comme punk alors que son répertoire et son registre vocale sont beaucoup plus élargis (englobant le punk bien sur mais pas que) y compris dans les deux albums enregistrés avec le Nina Hagen Band qui recouvrent des influences punk, rock 70s mais aussi d'autres formes musicales comme l’opéra ou le reggae (voir un petit côté psychédélique parfois).

Même musicalement parlant qualifier le NHB de punk est beaucoup trop réducteur, le groupe a une plus large palette musicale, du rock beaucoup plus varié qu'on pourrait le penser.

C’est d’ailleurs plutôt assez typé rock 70’s et si musicalement ça tient la route cela n'atteint jamais des sommets de génie (si on enlève la voix évidemment). D'honnêtes musiciens mais pas des virtuoses.

C’est surtout le chant de Nina oscillant entre opéra, rock et punk qui donne le côté punk rock au groupe et son aspect extravagant.

En effet on navigue souvent entre provocations notamment à travers les textes polémiques et les thèmes abordés (drogue, sexe) et excellences vocales ; toutefois si l'excentricité et les provocations ont certes fait beaucoup de publicité à Nina Hagen ils ont d'un autre côté peut-être nui à la considérer comme la grande artiste musicale qu'elle est assurément et qui malheureusement est vue sous le prisme de l'outrance et de ses frasques.

Ce premier disque, sans titre, est donc l'album originel pour l'icone est-allemande du punk et son groupe le « Nina Hagen Band ».

Attention si la voix est punk la musique est davantage du rock basique des 70's (guitare/synthé), plutôt correct sans être génial mais réhaussé par la voix hors pair de Nina Hagen chanteuse à l'aise dans tous les genres, capable de passer de l'opéra au punk, car c'est bien Nina Hagen, la vedette, la star du groupe avec qui elle enregistrera deux albums avant de voler de ses propres ailes pour explorer de nouveaux horizons musicaux.
Soyons honnêtes ce premier album est un peu moins bon que celui qui suivra mais la première face est excellente et reste un grand classique.

« TV Glotzer », reprise des Tubes donne le ton? suivi des excellents « Rangehn » (superbe refrain) et « Unbeschreiblich » (assez incroyable malgré un synthé un peu poussif) , puis « Auf'm'Bahnhof zoo » (la gare du zoo de Berlin rendue célèbre par le roman Moi Christiane F, 13 ans droguée prostituée mais dont la traduction originale signifie "Nous les enfants de la gare du Zoo") et enfin le sublissime « Naturtrane » sorte d'opéra rock avec une voix en apothéose, une ambiance assez difficile à décrire ! Le mariage improbable du punk et de l'opéra ! Grandiose tout simplement !

La seconde partie est moins réussie : « Superboy » aurait pu être très bon mais le refrain est raté ;  j'aime bien le très cool « Heiss » avec des passages un peu planant et une petite touche reggae. « Auf'm'Friedhof » est correct, « Fisch im Wasser » est un petit interlude vocal sans oublier surtout le déjanté et complétement destroy « Pank » 100% punk. Culte !
Le chant est en allemand mais je trouve que ça donne un cachet supplémentaire au disque ; ça ajoute un plus à une voix déjà sublime, géniale, avec ce côté provoc qui caractérise Nina Hagen. Cela donne un quelque chose de plus déjanté encore et ça va bien avec la voix de notre chanteuse ; et puis l'allemand n'est-il pas l'une des deux langues de l'opéra ?

Un peu moins frapadingue que « Unbehagen » (avec son mega tube halluciné et hallucinant « African reggae » mais aussi d'autres excellent titres et qui reste le sommet de sa carrière), un peu moins abouti aussi comme je l'ai déjà dit, mais quand même de très bon niveau.

Bob Dylan : Travelin Thru

Dylan et Cash , comment rêver plus belle affiche pour ce nouvel épisode des bootleg series ? Les deux hommes se sont rencontrés en 1962, à l’époque où Cash est au sommet de sa gloire. Dylan, lui n’est qu’un troubadour obnubilé par Guthrie , un rêveur répétant ses titres dans un garage. Impressionné par ce qu’il entend lors de leur rencontre , Cash en parle à Columbia , qui récupérera bientôt le petit prodige, quant John Hammond verra en lui le futur de la folk.

Et puis le temps a passé, le jeune prodige est devenu le prophète beats de sa génération, et les rengaines de Cash se sont empoussiérés jusqu’à en faire un has been méprisé. Cash voyait dans Dylan le sauveur d’une folk en pleine déperdition, fossilisé par un conservatisme niais, et il eut raison au-delà de ses espérances.

Alors que son mentor était resté un pur produit de son époque, qu’il continuait à écrire des rengaines sentant bon les campagnes américaines , et à ressasser le même rythme bucolique , Dylan a affronté le conservatisme de front. Aussi haïe fut elle à sa sortie , sa trilogie électrique a achevé d’imposer son visage au sommet des grandes figures des son temps.

Cash, lui, vivait un déclin vertigineux sur fond de drogues et de rengaines acoustiques qui n’intéressaient plus personne. Cash et Dylan n’étaient pourtant pas les deux opposés d’une folk déchirée entre tradition et avant gardisme, leurs œuvres de l’époque étaient complémentaires. Après tout, aussi électrique soit il , « highway 61 » est parcouru par cette force rythmique , cette énergie viscérale que Cash connut sous les traits de ses amis Presley et Cochran.

Quelques mois plus tard, voilà que les deux hommes se rejoignent artistiquement, Dylan ayant sorti deux disques campagnards parcourus de références bibliques que n’aurait pas reniées l’homme en noir. Le public le cloue encore au pilori, il faut dire que son sourire narquois sur la pochette de « john whesley hardin » lui semble destiné. C’est pourtant dans ces mélodies poussièreuses que les groupes San Franciscain viendront chercher un second souffle , après s’être remis de la fin du rêve hippie.

Plus encore que son prédécesseur, Nashville Skyline était un magnifique retour à la terre, surtout grâce à son ouverture poignante. « North Country Girl » était la communion entre deux générations de rockers, la voix de Cash sortait des arpèges Dylanien comme une force ancestrale enfouie.

On pourrait presque prendre ce titre comme l’annonce du retour de l’homme en noir, qui publie son incontournable live à folssom la même année. Le retour du grand Bob auprès de son vieil ami , aussi ringard qu’il paraisse encore à l’époque , était donc l’aboutissement logique d’une démarche entamée sur John Whesley Hardin. Mais la tradition qu’ils voulaient célébrer ne venait pas seulement des terres de la country folk.

Ecoutez matchbox , un des rares titres électriques de ce bootleg serie , et vous découvrirez deux hommes habités par le rock originel. Ce rock qui s’exprime de façon rugueuse à travers la voix de Cash , et annonce ce qui sera flagrant sur rusty cage , Cash a le rock n roll dans le sang.

A côté de sa puissante voix de baryton, celle de Dylan a du mal à s’imposer dans les chœurs, comme si le grand Bob conservait encore une certaine timidité face à ce géant que tous pensent dépassé. Et puis, les entendre chanter walk the line , titre aussi culte que « Jailhouse rock », c’est revivre l’histoire du rock en direct.

Il y’a peu de disques qui donnent cette impression de vivre un moment unique , un passage déterminant , la fin glorieuse d’un épisode historique. Travelin thru est de ceux-là , l’expression d’une tradition musicale qui ressurgit des vapeurs psychédéliques.

Travelin Thru rappelle ces scènes intimistes, que Steinbeck a si bien dépeintes dans Tortilla flat , c’est l’amitié de deux hommes s’échangeant leurs répertoires, et le célébrant à travers des duos acoustiques, dans le plus pur esprit folk.

En dehors de walk the line , on a aussi droit à un « ring of fire » plus posé , où Cash mesure son chant pour permettre à son ami de souligner sa mélodie. « you are my sunshine » semble lui aussi chanté depuis ces caravanes, dans lesquels les prolétaires américains fuyaient la misère de la grande dépression. Jouée de la même façon elle fait partie de ce même écrin rustique et somptueux dans lequel sont enveloppés les bluettes country folk telles que « wanted man » ,  « girl from the north country » , et même un « don’t think twice it’s alright » des plus dépouillés.

Travelin thru a le charme de ses vieilles reliques dégotées au fond d’un grenier poussiéreux, le témoignage d’un passé révolu , mais incontournable.   

   

  

Jimi Hendrix : Songs From The Groovies Children

L’histoire qui vous est raconté ici est celle d’un producteur comme on en fait plus , d’un guitariste au parcours météorique , le tout sur fond de musique mal aimée.
On décrit souvent Bill Graham comme « l’inventeur du rock business », cette affirmation n’est juste que si l’on a une vision idéalisée de celui-ci. Le rock business, c’est celui qui a multiplié par 100 le prix d’une place de concert en quelques années, nous rappelant au passage que les rockers pouvaient voir un Springsteen en pleine gloire pour une bouchée de pain dans les années 60-70.

Bill Graham était l’inverse de ces business men, pour qui la loi du marché prime sur le plaisir. De l’argent il en faisait, et pas qu’un peu, mais il le faisait en offrant une expérience unique à ses spectateurs. Tapis dans l’ombre, c’est lui qui permettait aux groupes invités de bénéficier de la meilleure sonorisation , et qui n’hésitait pas à injurier les artistes refusant de faire un rappel.
Issu du milieu théatral , il voyait le rock comme un nouveau moyen de faire rêver les gens , et se mettait entièrement au service des artistes et du public. Toujours à l’affut, Graham réussit même à faire venir dans son fillmore un Otis Reading en pleine gloire, qui donna un concert bouillant.
A force d’efforts , sa salle est devenue une institution , et un lieu privilégié pour les concerts des frères allman, ce qui est déjà beaucoup. Lorsque Hendrix foule la scène de cet endroit, où les jeunes viennent découvrir la musique de demain, il n’est déjà plus aussi unanimement salué.
Les origines de ce passage à vide remontent en 1965 lorsque , en plus de son contrat pour l’experience , Hendrix signe un contrat avec PPX entreprise , la société du producteur Ed Chaplin. Naïf , Hendrix pensait que ce contrat ne pourrait concerner que ses œuvres solo, et, quand son groupe devient culte , Chaplin vient lui rappeler ses obligations ainsi que la clause d’exclusivité de son contrat.

Alléché par le succès acquis par le vodoo child, il menace de le poursuivre devant les tribunaux si celui-ci ne répare pas le « dommage » que constituent ses trois albums produits par EMI. Soucieux d’éviter une procédure longue et couteuse, surtout au moment où ses gains partent en grande partie dans la construction de son studio « electric ladyland », Hendrix accepte de céder tous les droits de son prochain album , qui sera publié par la société de Chaplin.
Démotivé par ces méthodes de mafieux, Hendrix ne trouve plus l’inspiration, et semble sans cesse repousser la date de sortie d’un disque qui devient vite un boulet. Pourtant, il souhaite retourner sur scène , et le fera avec Buddy Miles.
Agé d’une vingtaine d’années, Miles fait partie de ces batteurs dont la légende oublie trop souvent le nom. En compagnie de Mike Bloomfield, génie du blues traditionnel, devenu le père du psychédélisme grâce au second album du Paul Butterfield Blues Band, il produit le premier album de l’electric flag.

Considéré comme un des disques les plus importants de l’histoire du blues rock , il montre un batteur dont les racines baignent dans la culture musicale afro américaine. Le blues rencontrait la rythmique groovy du funk, dans un brasier d’autant plus unique que le groupe se décomposera après sa production.
Il est aussi présent sur certains titres d’electric ladyland , l’album qui imposa définitivement Hendrix comme le dieu d’un nouveau culte du guitariste soliste. Le duo s’adjoint les services de Billy Cox , et les black panthers voient dans cette formation 100% afro Américaine un signe de ralliement à leur cause.

Hendrix démentira. Bien qu’il partage certaines idées du mouvement, il ne mélange pas musique et politique. Cette histoire, le public la connait déjà, et la critique s’empresse de fustiger le héros qu’elle a tant adoré. Pour elle, ce groupe neo funk n’est rien d’autre qu’une bande de fonctionnaires chargés de maintenir une idole vacillante. Les critiques seront encore plus violentes lors de la sortie du live « band of gypsys », chef d’œuvre massacré parce qu’il servait aussi, et surtout, à libérer Hendrix de la pression mise en place par Chaplin.
Et oui, ce disque était un chef d’œuvre, le véritable dernier album d’un guitar hero cosmique qui ne tardera pas à tirer sa révérence. Son parcours est d’ailleurs annonciateur de celui de Deep Purple et Led Zeppelin, deux groupes qui concrétiseront la déflagration sonore qu’il initia. Le plan d’attaque était simple , partir du blues pour l’atomiser , avant de visiter les territoires funks dans une grande danse sauvage.

Vous trouvez cette comparaison fantaisiste ? Alors démontrez moi que Led Zeppelin I et In Rock ne sont pas les lointains échos de are you experience, et que les rythmes dansants de house of the holy et burn ne sont pas nourris par les vibrations du band of gypsys.
Hendrix avait montré la voie, et le live band of gypsys était aussi essentiel que les œuvres l’ayant précédés. Voilà pourquoi ce coffret , regroupant tous les concerts donnés lors de ce réveillon historique de 1970, est une relique que tout rocker un peu sérieux se doit de vénérer.
Dans la salle emblématique du San Francisco sound , l’ange Hendrix est libéré par la rythmique irrésistible de Buddy Miles. L’homme s’apparente à John Bonham lâché au milieu de la célébration dansante de Sly and the family Stones , le groove incarné par une frappe autoritaire et métronomique.
Dans ce cadre, power of soul, qui ouvre le premier concert, est une véritable célébration orgiaque. Sachant se faire discret malgré leur brio rythmique, Cox et Miles laissent Hendrix emmener son public au cœur de cette énergie blues soul. Il redevient ainsi le pyrotechnicien mystique qu’il fut à ses débuts, ses solos sonnant de nouveau comme des éruptions grandioses.

Il réinvente ses plus grandes créations, soumettant « foxy lady » ou « stone free » à une rythmique plus carrée, comme si cette rigueur bluesy sublimait les brûlots funk « eazy rider » et autres « burning desire ». Et puis il y’a « changes » , le moment de gloire d’un Miles qui en profite pour tester un futur classique de son prochain disque.

Mais bien sûr, on retiendra surtout cette guitare électrique lançant des torrents de notes, qui coulent avec la limpidité d’un fleuve lumineux, rapprochant le voodoo child de James Brown. Plus qu’un retour du guitariste auprès de ses racines afro américaines , ce coffret montre un explorateur musical s’aventurant sans filet sur des chemins que suivront encore une hordes d’artistes jusqu’à nos jours.